Oglądaj lub pomiń: „The Perfect Match” na Netflixie, komedia romantyczna z udziałem byłej gwiazdy Nickelodeon Victorii Justice i gwiazdora serialu „Sex/Life” Adama Demo
Obejrzyj lub pomiń: „Respect” w Amazon Prime Video, gdzie Jennifer Hudson gra główną rolę w rozczarowującym filmie biograficznym Arethy Franklin
Zagraj lub pomiń: „Gamestop: Rise of the Gamers” w Hulu, zabawny dokument, w którym outsiderzy pokonują złych gigantów
Obejrzyj lub pomiń: „Elon Musk Crash Course” na kanałach FX/Hulu, „NY Times” prezentuje dokumentację dotyczącą problemów z technologią autonomicznej jazdy Tesli
Obejrzyj lub pomiń: Grzechy Amishów w Peacock, seria dokumentów o chronicznym wykorzystywaniu seksualnym w społeczności Amishów
Obejrzyj lub pomiń: „Spójrz na mnie: XXXTentacion” w serwisie Hulu, dokument o życiu zmarłego rapera i jego karierze gwiazdy
„Randy Rhoads: Refleksje o ikonie gitary” analizuje krótkie życie i ogromny wpływ oryginalnego zespołu Ozzy’ego Osbourne’a Axeman
Obejrzyj lub pomiń: „Teen Titans Go! i DC Super Hero Girls: Mayhem in the Multiverse” w serwisie VOD, ogromny film crossoverowy z około milionem postaci
Obejrzyj lub pomiń: Sonic the Hedgehog 2 na Paramount+, bardziej wciągająca, głośniejsza kontynuacja z większą liczbą IP i mniejszą ilością śmiechu
Wyjaśnienie zakończenia „My rządzimy miastem”: Jon Bernthal, David Simon i inni odpowiadają na nurtujące Cię pytania
Joy Behar ostro krytykuje Sarę Haines w ostrej dyskusji na temat kontroli broni palnej, odnosząc się do „poglądów”: „Stop zdrowiu psychicznemu!”
Tegoroczny Festiwal Filmowy w Cannes — pierwszy rok najbardziej podziwianego festiwalu filmowego na świecie — wyprodukował wiele dobrych i cennych małych wielkich filmów, a ja wolę przypisać tę nieistotność wąskiemu gardłu odwróconemu przez COVID, zawieszając 2020. Lata produkcji są teraz wznawiane. Dla twojego skromnego krytyka, pozornie najlepsza lista może wyprodukować arcydzieło (patrzę na ciebie, apokaliptyczny wieku Jamesa Graya) i wiele porażek, które wykraczają poza zwykłą złość i zbliżają się do ataku moralnego (chociaż czarny dramat cierpiący Tori i Lokita oraz thriller o morderstwie pracownicy seksualnej Holy Spider niewytłumaczalnie mają swoich zwolenników). Tradycyjnie te nagrody są przyznawane niewłaściwym filmom, np. szeroko zakrojonej satyrze Rubena Östlunda The Triangle of Sorrows w 2017 roku z The Square. Wśród straszniejszych pokazów na przeciętnym festiwalu filmowym jestem pewien, że przyszły rok niewątpliwie przyniesie blockbustery od reżyserów wagi ciężkiej.
Ale nie ma sensu narzekać, zwłaszcza gdy rano można ponuro wpatrywać się w szafirowe fale Morza Śródziemnego, a wieczorem starać się nie wpakować w kompromitację, pogawędząc na przyjęciu koktajlowym z Julianne Moore. Jeśli chodzi o sam film, pokazy boczne oferują więcej niż zwykle atrakcji, takich jak niesamowita podróż do wnętrza ludzkiego ciała – nie mówię o najnowszym filmie Davida Cronenberga, wierzcie lub nie – i zanurzenie się w psychologicznym zarysie bujnej fantazji. Niektóre z kilkunastu filmów prezentowanych poniżej mają już podpisane umowy kinowe w USA i trafią do kin w 2022 roku; inne jeszcze nie zostały wybrane i mogą stać się głównymi dostawcami usług streamingowych w szaleństwach ofert świątecznych. (Zdziwiłbyś się, jak wiele najlepszych zagranicznych nabytków Netflixa po raz pierwszy robi furorę w Palais des Festivals). Czytaj dalej, aby zapoznać się z analizą 12 najbardziej obiecujących premier ze słonecznego południa Francji, gdzie najlepsze Wykorzystaj dobrze czas, który wciąż spędzasz w domu, po ciemku, przez wiele godzin.
Po zepchnięciu problemów ojca na skraj wszechświata w „Astrze”, James Gray skupia się na ojcach i synach, tworząc solidniejszy i bezpośredni zapis osobisty, pisząc w tym fikcyjnym pamiętniku – jednym ze swoich najlepszych poruszających dzieł – odtwarzając nowojorskie filmy ze swojego dzieciństwa w nie wiadomo jak długim czasie. Młody Żyd Paul Graff (Michael Banks Repeta, całkiem odkryty) marzy o tym, by pewnego dnia przekształcić swoje graffiti rakiety w wielki świat sztuki, ale wyzwania zwykłego życia trzymają go w napięciu: Rodzice (Anne Hathaway i Jeremy Strong, oboje w najlepszej formie), którzy chcą, by odpoczywał w szkole, ukochany dziadek (Anthony Hopkins), który jest w złym stanie zdrowia i przenosi się do prywatnej uczelni z maniakami tortów Reagana. Gray oddaje to wszystko w drobnych szczegółach (on i jego ekipa zbudowali w skali replikę jego dawnego domu na planie filmowym, używając filmów domowych i starych zdjęć), bardziej wzruszający niż rozdzierający serce monolog ze względu na intymność Seks jest bardziej wzruszający niż rozdzierający serce monologi. To tak, jakby zaglądać do czyjejś pamięci.
Co jednak najważniejsze, Gray postrzega swoje wybory jako miniaturowe ja, jasnymi oczami dorosłych. Moralnym sednem filmu jest klasa społeczna – jak wpływa ona na Paula w subtelny sposób, którego nie potrafi zrozumieć, i jak jego rodzice wpływają na niego w sposób, który woleliby ignorować lub racjonalizować. Przyjaźń Paula z czarnoskórą koleżanką z klasy (Jaylin Webb) jest słodka i naiwna, dopóki zupełnie różne okoliczności ich życia nie popchną ich w przeciwnych kierunkach, a wyraźne poczucie winy Graya nie sugeruje, że ta różnica zdań może nie być tak bierna. Jeśli chodzi o rodziców, nieustannie rozważają oni swoje zasady i praktyki, porzucając szkoły publiczne, od których twierdzą, że nie są lepsi, i patrząc z góry na tych, których twierdzą, że wspierają. Gray odmawia wymazania niepokojących zmarszczek niedoskonałej przeszłości, a uczciwość jest kluczem do pięknej prawdy w każdej klatce tego wyraźnie zaobserwowanego spaceru szlakiem wspomnień.
Jako najgorętszy tytuł festiwalu, powrót Davida Cronenberga do jego krainy horroru cielesnego wydaje się powrotem w szerszym sensie – wielkim człowiekiem zrodzonym z Olimpu Artysta, przypominającym, jak to robią wszyscy ci pretendenci i pozerzy. Viggo Mortensen i Léa Seydoux grają parę artystów performatywnych z przerażającym występem: ona manipuluje pilotem maszyny chirurgicznej, otwierając drzwi widzom w sukniach i smokingach, usuwając przerażające nowe organy, które wytworzyło jego ciało. Syndrom przyspieszonej ewolucji. Jako pierwszy niemetaforyczny film artystyczny Cronenberga, jest to zarówno kuszące, jak i satysfakcjonujące, aby rzutować jego własną interpretację status quo słabego, zdegenerowanego kina na jego postacie i ich pozycje (wiele z jego przeszczepionych uszu nawet nie słyszy!). Stojący naśladowcy sprzedają podróbki jego stylu.
Ale nawet po ośmioletniej przerwie Cronenberg nadal uczęszcza na zajęcia sam. Jego metody są coraz dziwniejsze i oddalają się od zakresu heteroseksualnych gatunków, w których niektórzy fani chcieliby go umieścić. Wszyscy (zwłaszcza żartobliwy Timlin grany przez Kristen Stewart) mówią barokowymi sloganami lub teoretycznymi fragmentami; „Contagion – co z nimi nie tak?” to natychmiastowy faworyt. Tekstura filmu ma nienaturalny, plastikowy, odblaskowy połysk, odpowiedni do sceny otwierającej, w której dziecko je w koszu na śmieci. Świat jutra jest dosłownie i psychicznie niedożywiony, greckie plaże są zaśmiecone zardzewiałymi łodziami o lekko dystopijnym posmaku, a materiały syntetyczne są naszym ostatecznym źródłem pożywienia. Niesamowite, że Cronenberg zagłębiał się w prawdziwe życie, pisząc ten scenariusz przed swoim niedawnym artykułem w Guardianie na temat mikroplastiku, ale jego przewidywania staną się jeszcze bardziej trafne, gdy planeta będzie coraz bardziej pogrążać się w latach zmierzchu. Zamiast tego, mógłby iść naprzód na zawsze.
Mówiąc o ciałach i przerażającym potencjale ich nieprzewidywalnego i obrzydliwego zachowania: Ten dokument z Laboratorium Etnografii Sensorycznej Uniwersytetu Harvarda (zapewnia nam głębinową podróż myśliwską Lewiatana) Niespotykane spojrzenie w śliską, oślizgłą krainę czarów, którą bierzemy za pewnik każdego dnia w kilku szpitalach w Paryżu. Reżyserzy Véréna Paravel i Lucien Castaing-Taylor ułatwiają rozwój nowych miniaturowych kamer zdolnych do uchwycenia materiału o wyższej wierności z jelita cienkiego i światła odbytu, rozróżniając różnicę między czystą geometrią awangardową a intensywnością trzewną, która wymyka się teatrowi. Tak, nigdy nie zapomnisz sceny sondowania cewki moczowej, gdzie długi metalowy pręt ustawiony na „tryb Kałasznikowa” uderza w cewkę moczową człowieka, lub widoku igły przebijającej tęczówkę najodważniejszego człowieka, który kiedykolwiek czyścił gałkę oczną na ziemi. Ale jeśli jesteś jak ja, idąc do każdego nowego filmu, chcąc pokazać coś, co masz, Nigdy wcześniej czegoś takiego nie widziałem, nie ma lepszej gwarancji.
Poza tym to nie jest tylko prosty, prymitywny wyczyn. Dowiedzieliśmy się, że funkcje samego szpitala są tak złożone i powiązane jak ludzkie ciało, a różne organy pracują w harmonii. Podczas stymulacji prostaty słyszymy chirurga besztającego swoje pielęgniarki i asystentów za problemy poza jego kontrolą, co jest ukłonem w stronę niedofinansowania i niedoboru personelu, którymi Amerykanie są teraz tak zaniepokojeni. Paravel i Castaing-Taylor wykazali się dużym zainteresowaniem podstawowymi działaniami tych dużych instytucji, a najbardziej ekscytujące ujęcia pochodzą z punktu widzenia kapsuły do transferu plików podróżującej przez sieć pneumatycznych rur przecinających budynek z prędkością światła. Finałowa sekwencja taneczna – idealnie dopasowana do „I'll Survive” – jest jak hołd dla tego, co zwykły człowiek myśli o klasie robotniczej, jak jego własne mimowolne bicie serca, które jest niewidoczne dla kontynuacji życia. Niezbędne, dopóki nie zatrzymamy się i nie pomyślimy o tym, jak niesamowite jest to, że możemy iść dalej.
EO (wymawiane ii-au, gorąco polecam, żebyś powiedział to teraz na głos kilka razy) jest osiołkiem i, cóż, bardzo grzecznym chłopcem. Pierwszy film 84-letniego polskiego guru Jerzego Skolimowskiego od siedmiu lat opowiada o osiołku, który się nie poddaje, gdy próbuje swoich sił na wsi, przeważnie przeżywając i będąc świadkiem tej gehenny. Jeśli brzmi to jak parodia głębokiej europejskiej wyrafinowanej akademii sztuki — w końcu to luźny remake klasycznego filmu z 1966 roku Au Hasard Balthazar — nie zniechęcaj się zimnym minimalizmem. To czysta uczta, tak relaksująca i medytacyjna jak lodowate jezioro, z oszałamiającym ujęciem, w którym wisisz do góry nogami, zmieniając drzewa w surowo odbijające wieżowce. Ekspresyjna, oszałamiająca gra kamer ożywia ten 88-minutowy cud, regularnie przeplatany stroboskopami w stylu EDM i eksperymentami z czerwonymi zawiasami.
Nikt nie docenia podstawowego uroku czworonożnej gwiazdy, zjednoczonej przez sześć zwierzęcych aktorów w ich nieskażonej, Chrystusowej czystości. EO je marchewki. EO spotyka kilku chuliganów piłkarskich, którzy myślą, że zioło, które napełnia go piwem i strzelbami, będzie trującym gazem. EO zabił człowieka! (Nadchodzi. Żadna ława przysięgłych nie wyda wyroku skazującego.) Trudno nie kochać EO lub nie poświęcić się perypetiom włóczęgi, po których błąka się głównie jako odległy obserwator. Ujęte jako całość, różne epizody filmu malują obraz Polski w duchowym kryzysie, od nieskazitelnej Isabelle Huppert jako napalonej macochy po niespodziewanie zwolnionego księdza, który się objawił. Ale równie łatwo jest oddać się kojącej energii emanującej od naszego nowego bohatera osła i naturalnemu krajobrazowi, przez który powoli, ale pewnie nas prowadzi. Na zawsze EO.
Po otrzymaniu uznania krytyków i tysięcy fanów za swoją pracę nad „Normal”, Paul Mezcal występuje w filmach Anny Ross Holmer i Sarah Davis od 2016 roku. Ten mało znany pierwszy film od czasu The Fits przekonująco uzasadnia swój status gwiazdy filmowej. Z lekkim urokiem marnotrawny syn Mezcala Bryan ukrywa pod spodem paskudne rzeczy, wracając do irlandzkiej wioski rybackiej, którą opuścił lata temu, aby zacząć wszystko od nowa w Australii. Chciał wrócić do łowienia ostryg w mieście, w którym dominuje lokalna przetwórnia owoców morza, więc przekonał swoją matkę, która tam pracowała (Emily Watson, która zorganizowała świetny pokaz na festiwalu), aby zaprojektowała dla siebie pułapkę na użycie. Ufa, że nie może zrobić nic złego i chętnie akceptuje jego mały plan, jej lekkie rozluźnienie moralności, które wkrótce zostanie wystawione na próbę przez wyższe stawki.
Potem wydarzyło się coś strasznego, co najlepiej byłoby ukryć, stawiając dwie gwiazdy naprzeciw siebie w niezwykle głębokim popisie aktorskim, w którym Watson błyszczy, podejrzewając, że wolałaby to zjeść. Davies i Holmer (porażający scenariusz Shane'a Crowleya i Fodhli Cronin O'Reilly ukształtował ich wrażenie Irlandii) pozwolili ciśnieniu osmotycznemu rosnąć i rosnąć do nie do zniesienia intensywności, paląc w szokującym punkcie kulminacyjnym. Pozostawia nas z niepokojącymi pytaniami o to, jak my zachowujemy się w tej samej sytuacji. Przez cały czas możemy podziwiać wspaniałe zdjęcia Chayse'a Irvina, który znajduje pomysłowe źródła światła w wielu nocnych scenach i surowy połysk w szarym świetle dziennym. Robi co w jego mocy, by sfilmować wszystkie złowieszcze, odstraszające wody otaczające ten dramat moralny, czarną jak smoła pustkę, która rozciąga się w nieskończoność, niczym głębiny ludzkiej duszy, bez kompromisów i litości.
Głupotą ze strony Netflixa byłoby nie wykupić reżyserskiego debiutu Lee Jung-jae, znanego przede wszystkim z roli w ich hicie „Squid Game”. (Włącz to w swojej tubie Algorithmic Synergy i zapal!) Ambitny, meandrujący, histerycznie brutalny, film porusza wiele kwestii, które Big Red N uwielbia w swoich oryginalnych produkcjach z późniejszych etapów, i wykorzystuje na tyle dużą skalę – Gorgeous, by zdemolować mały ekran, na którym mógłby kiedyś zaistnieć. Akcja tego szpiegowskiego eposu rozgrywa się w wyjątkowo burzliwym okresie w historii Korei Południowej, gdy dyktatura wojskowa brutalnie rozprawiła się z protestującymi, a ich głowy i napięcia ponownie zapłonęły z wrogim sąsiadem z północy. Pośród chaosu w południowokoreańskiej CIA wybuchła gra w kotka i myszkę, w której udział wzięli szef departamentu zagranicznego (Lee Jung-jae, pełniący jednocześnie obowiązki) i szef departamentu wewnętrznego (Jung Woo-sung, który już wcześniej pojawił się w podobnej sytuacji). w internetowych serialach „Stalowy deszcz” i Iran: Brygada Wilków) ścigają się, aby wytropić krety, które ich zdaniem ukrywają się w drużynie przeciwnej.
W miarę jak ich śledztwo przechodzi przez serię mylących tropów i ślepych zaułków, osiągając punkt kulminacyjny w postaci spisku na życie prezydenta, dwóch elitarnych agentów wpada na pomysł, jak wznieść się na poziom boga. Nie mogę dość podkreślić ogromnej liczby ofiar śmiertelnych w ciągu dwóch i pół godziny trwania filmu, jakby Lee miał kontrakt zobowiązujący do wysadzenia w powietrze co najmniej 25 osób w każdej scenie. Orkiestruje te rzezi symfonie z wprawą starej szkoły, ograniczając CGI do minimum i maksymalizując liczbę pakietów petard, dzięki czemu branża pozostaje dochodowa przez kolejne lata. Labiryntowe scenariusze wymagają każdej kropli uwagi, a wymagania czasowe są wysokie, ale ci, którzy nie dają się zwieść zawiłościom, mogą poczuć smak niezwykle surowych próbek w zdjęciach szpiegowskich. (A ci, którzy się zgubią, i tak mogą zostać obmyci we krwi.)
To naprawdę dziwny film, człowieku: nadchodzący dokument Bretta Morgana o Davidzie Bowiem na HBO nie pasuje nawet do tego prostego opisu, to bardziej jak szybki kolaż obrazów i odniesień, jak układ słoneczny obracający się wokół Najbardziej fascynującego muzyka w historii. Początkowe minuty przechodzą przez serię kolaży klipów, które przedstawiają nie tylko samego art-rockowego kosmitę, ale także wszelkie wskazówki, które mogłyby nam pokazać całą jego nieopisalną historię. Oprócz teledysku „Ashes to Ashes” lub występu na żywo „All the Young Dudes”, możemy również uchwycić nuty klasyków kina niemego, takich jak Nosferatu (chudy outsider, którego boją się zwykli ludzie), Metropolis (Bowie w berlińskim industrialnym niemieckim minimalizmie preferowanym przez czasy) lub Dr. Mabus the Gambler (kolejny weimarski artefakt o człowieku, który potrafi rzucić urok na swoją publiczność). Nawet jeśli te powiązania wydają się kruche, możemy nadać im znaczenie i zabrać wszelkie spostrzeżenia, które czerpiemy z tych popkulturowych testów Rorschacha.
W miarę jak film, trwający niewątpliwie dwie i pół godziny, przechodzi od eksperymentów do rutyny. Pierwsza godzina skupia się na nadrzędnych tematach, takich jak biseksualizm Bowiego czy jego wrażliwość na modę, a reszta jest ułożona chronologicznie, zabierając nas przez Los Angeles i pobyty w Niemczech Zachodnich, jego związek z supermodelką Iman i małżeństwo z nią, a punktem zwrotnym w latach 90. był populizm. (Jego flirt z kokainą jest jednak z szacunkiem pominięty). Te sekcje zapewniają przydatny kurs przyspieszony dla nowicjuszy Bowiego, a dla tych, którzy już są wprawni, jest to powrót do niektórych lodowatych kiełbasek, które dobrze robi. dziesiątki. Pięcioletnie pełne relacje Morgana z życia gwiazdy rocka nie przynoszą wielu wielkich odkryć, ale swobodne skojarzenia, z których podchodzi, wciąż mogą ożywić tajemnicę, która i tak nie wyjdzie z mody.
Każdy rumuński film opowiada o tym, jak okropnie żyje się w Rumunii, kraju skorumpowanego rządu, dysfunkcyjnej infrastruktury publicznej i mieszkańców wsi przepełnionych nienawiścią. Najnowszy film byłego laureata Złotej Palmy, Cristiana Mungiu, który pozostaje jedynym reżyserem w kraju, który zdobył główną nagrodę festiwalu, skupia się na ostatniej części. W małej, odizolowanej społeczności gdzieś w Transylwanii ekskluzywny szybkowar grozi eksplozją, gdy do miasta przybywają migranci ze Sri Lanki, aby pracować w lokalnej piekarni. Reakcja mieszkańców brzmi jak strumień rasistowskiej świadomości, który Amerykanie mogliby uznać za bliski krewny ideologii Trumpa: przyjechali, aby zabrać nam pracę (żaden z nich nie zadał sobie trudu, aby zabrać swoją), chcieli nas zastąpić, są agentami złośliwych obcych mocarstw. Oszałamiające, jednorazowe nagranie podczas zebrania miejskiego uwalnia rzekę żółci, a maska logiki powoli opada, gdy obywatele przyznają, że po prostu nie chcą widzieć nikogo innego.
Jeśli brzmi to jak nędzna, ciężka walka, to jest tu wystarczająco dużo ideologicznego ognia i fajnych, mistrzowskich zdjęć, aby oczarować nawet najbardziej wyczerpanych festiwalowiczów. Mungiu zabiera nas przez zaśnieżone lasy i gruntowe drogi, fotografując je wszystkie w sposób oderwany od rzeczywistości, który może wyczarować obrazy piękna równie łatwo, co brzydoty. Fabuła jest bardziej kwiecista, niż mogłoby sugerować polityczne oblężenie. Niedźwiedzie odgrywają dużą rolę, podobnie jak gra na wiolonczeli właściciela piekarni. W centrum filmu o silnych zasadach partyjnych jest również część dylematu moralnego, a jej altruizm wobec imigrantów może być przykrywką do wykorzystania tego, co ostatecznie uważa za tanią siłę roboczą. Nikt nie wyszedł z tego filmu szczególnie dobrze, silny i bezkompromisowy pesymizm, którego nie mogliśmy uzyskać z hollywoodzkich produkcji kinowych, ani zresztą z amerykańskiego kina niezależnego. Taka Ameryka nigdy nie będzie istnieć, chociaż patologie w poszczególnych krajach są tak podobne, że równie dobrze moglibyśmy spojrzeć w rozbite lustro.
Weźmy satyrę świata sztuki, gdzie wszelka rywalizacja, marne urazy i całkowita desperacja są sugerowane i sprowadzone do najmniej ryzykownych warunków. Poza tym Michelle Williams gra prawdopodobnie najlepszą rolę w swojej karierze. Następnie usuń tyle akcji, ile scenariusz jest w stanie zmieścić, nie rozbijając jej na kawałki, jakby dla widzów, którzy uznali poprzedni film fabularny reżyserki Kelly Reichardt „Pierwsza krowa” za zbyt ekscytujący. Przeprowadzono akcję reklamową. Tak długi jest ten delikatny portret kobiety stawiającej czoła ograniczeniom swoich talentów w dziedzinie, która najwyraźniej nie ma z nią nic wspólnego. Williams gra zmartwioną Lizzy Carr, drobną rzeźbiarkę z nieistniejącego już Oregon Institute of Arts and Crafts, która próbuje dostosować się do nadchodzącej wystawy, ale to, co widzi... Rozproszenia są wszędzie: jej właściciel/przyjaciel (Hong Chau, coraz częściej ten pierwszy jest lepszy od tego drugiego) nie chce naprawić jej podgrzewacza wody, ranny gołąb wymaga jej stałej opieki i uwagi, a spokojny, protekcjonalny ton odwiedzającej artystki doprowadza ją do szału.
Ale tragiczny błysk geniuszu Reichardt leży w jej sugestii, że Lizzy może nie być do tego stworzona. Jej rzeźby nie są złe, nie palą się z jednej strony, gdy piec nagrzewa się nierównomiernie. Jej ojciec (Judd Hirsch) jest szanowanym garncarzem, jej matka (Marian Plunkett) kieruje wydziałem, a jej psychicznie niestabilny brat (John Magga) Law) ma iskrę inspiracji, o którą Lizzie może walczyć. Wystawa w Galerii Climax — choć nawet użyto słowa „Climax” do opisania filmu tak zdecydowanie powściągliwego i chłodnego w klimacie miasteczka uniwersyteckiego na Zachodnim Wybrzeżu — rozwijała się jak łagodna farsa, małe obelgi jej życia Ułożone jedna na drugiej, gdy syczała na swojego brata, aby pozwolił jej odpocząć od darmowego sera. Dla Reichardt, wieloletniej profesor Barda, ironia jej własnego przybliżenia jest bardziej pełna duszy niż złośliwa, charakteryzuje się pewnym uznaniem dla każdego otoczenia, które pozwala ambitnym ekscentrykom być sobą w ich własny czas.
Najlepsza czołówka należy do tej psychodramy najlepiej strzeżonej tajemnicy w Polsce Agnieszki Smoczyńskiej, która z powodzeniem po raz pierwszy wkracza na rynek angielski. Każde imię jest odczytywane, a następnie komentowane przez kilka nastoletnich głosów, mamroczących: „Och, uwielbiam to imię!”. Na przykład na ekranie pojawia się uśmiechnięta twarz Michaela. To nie jest po prostu dobry punkt. To wprowadzenie do świata Lonely Island stworzonego i zamieszkanego przez June (Leitia Wright) i Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, dwie czarnoskóre dziewczyny, które dosłownie mieszkały w Walii w latach 70. i 80. Znajdując schronienie w swoim związku i popadając w stan selektywnej powściągliwości w małej, całkowicie białej wiosce, ich małomówne wycofanie się z otoczenia ostatecznie prowadzi je do tragicznego chaosu Broadmoor Asylum. W tej autentycznej narracji Smoczyńska i autorka Andrea Seigel badają niezwykłą psychologiczną głębię, którą dzielą dziewczyny, wyobrażając sobie, jak takie ekstremalne doświadczenia mogą się czuć od wewnątrz.
Jak to musi być w przypadku dziewcząt, ta przerwa w realizmie olśniewa w sposób, którego nie dorównuje nuda ich codziennego życia. Ekstremalnie pogniecione ujęcia poklatkowe ukazują postacie z ptasimi głowami wędrujące przez wymiary bibuły i filcu, a sporadyczne figury muzyczne oddają wewnętrzny smutek sióstr w języku deklaratywnym, greckim chórze. (Podobnie jak w genialnym polskim show Smoczyńskiej, zabójczej syreny-striptizerki „Córki dancingu”). June i Jennifer wyobrażają sobie, że wchodzą do nasyconego kolorami sanktuarium, gdzie wszystko może być nieskazitelne, dopóki zderzenie nie wróci do rzeczywistości, a my nie będziemy w szoku. W romantycznej rzeczywistości sportowcy próbują wykonywać ćwiczenia gimnastyczne z dziewczynami z rodzin chronionych, po uprzednim dopingowaniu ich. W miarę jak ich wspólna sytuacja się pogarsza, a sąd je rozdziela, widzimy jedynie wrogie siły niszczące ich prywatne bezpieczne przystanie, serię formalnych salt w tył, które pojawiły się pośród komentarzy na temat braku opieki psychiatrycznej w Wielkiej Brytanii.
Mad Max jest już za nim, a George Miller powraca z tą nieprawdopodobną, współczesną baśnią o mężczyźnie imieniem Alicia Binney (Tilda Swinton, najlepsza forma) i Dżinie (Idris Elba, Olbrzym i Olbrzym), którego właśnie uwolniła z butelki, którą zdobyła na bazarze w Stambule dzień wcześniej. Znasz procedurę, on jest tutaj, aby spełnić jej trzy życzenia i pozwolić jej używać ich, jak chce, ale ponieważ ona również zna procedurę, nie chce wchodzić w żadne „ostrożne” pułapki. Aby przekonać ją o swojej dobrej woli, wymyślił fantastyczną historię o tym, jak spędził ostatnie trzy tysiąclecia, ekstrawagancję CGI, która w danym momencie przewyższa większość projektów studyjnych tego typu przez cały okres trwania. Można przywołać więcej wyobraźni. Od zamku królowej Saby po dwór cesarza Sulejmana Wspaniałego, magia, intrygi i namiętność przemierzają podróże przez starożytny Bliski Wschód.
Ale ta cudowna podróż ma nieoczekiwany cel, który kulminuje w subtelnej historii miłosnej tych dwóch zbuntowanych, podobnie myślących osób. Przełamują swoją samotność, dzieląc się radością opowiadania historii, a zagnieżdżona struktura narracji Millera pozwala im iść o krok dalej. Jak wyjaśniła Alithea w swoim wystąpieniu na konferencji naukowej na początku filmu, wymyślamy mity, aby nadać sens zagadkowemu światu wokół nas, a Millerowi udało się osiągnąć znaczny sukces, łącząc to poczucie podziwu z... Poczucie inwencji wnosi wiedzę do współczesnego świata zdławionego przez technologię. Oczywiście filmowcy nie są luddystami; fani efektów wizualnych będą oczarowani przebiegłym wykorzystaniem cyfrowych ozdobników i pełnowymiarowych kreacji, niezależnie od tego, czy będzie to oszałamiające ujęcie śledzenia butelki do oceanu z ptasiego pazura, czy przemiany w giganteskiego pająka. Natychmiastowe paliwo koszmaru mutanta zabójcy rozpuszcza się w kałuży skarabeuszy.
Riley Keough dołącza do Giny Gammell na krześle reżyserskim, co stanowi pomyślny początek kolejnego etapu ich karier. (Oboje mają już w zanadrzu kolejny wspólny projekt). Zignorowali wszelkie przejawy hollywoodzkiej próżności, a plemię Oglala Lakota zarabia na życie w okolicach neorealistycznego rezerwatu Pine Ridge w Dakocie Południowej. I mogą. Dla miejscowego dzieciaka Matho (LaDainian Crazy Thunder) i starszego Billa (Jojo Bapteise Whiting) oznacza to głównie kradzież i sprzedaż narkotyków, handel niewielkimi ilościami metamfetaminy, spędzanie godzin na pobliskich fermach indyków i w fabrykach lub sprzedawanie pudli w drodze hodowli, aby dłużej grać w tę grę. Kiedy nie masz pieniędzy, żeby cokolwiek zrobić, nie ma nic do roboty, co jest zrozumiałe dla większości filmów, które zadowalają się spędzaniem czasu z młodymi ludźmi, którzy po prostu szukają czegoś, aby wypełnić swój wolny czas.
Jeśli brzmi to tak, jakby outsiderzy, Keough i Gammell, nadmiernie romantyzowali ubóstwo lub zmierzali w przeciwnym kierunku, ku wyzyskowi, zastanów się jeszcze raz; po scenarzystach Billu Reddym i Franklinie Sue Bob (Guided by Sioux Bob) oraz obsadzie złożonej z prawdziwych mieszkańców Pine Ridge, zręcznie identyfikują trudne ściegi tonalne, nie skupiając się na trudnych tonach. Te postacie muszą zmagać się z wieloma problemami ze strony dorosłych - okazjonalnie agresywnym ojcem Mato, białym szefem Billa - ale jak młodzi ludzie w prawdziwym życiu, gdy tylko będą mogli spędzać razem czas i robić sobie żarty, nieszczęście spadnie na nich wraz z przyjaciółmi. Oderwany od rzeczywistości punkt kulminacyjny potwierdza najbardziej nikczemne intencje filmu, polegające na celebrowaniu i wzmacnianiu ludzi marginalizowanych przez zdominowane przez białych społeczeństwo, które traktuje ich z lekceważeniem, gdy się nad nimi zastanawia. Reżyserskie umysły Keough-Gammell pozostaną z nami i miejmy nadzieję, że tak samo będzie z ich charyzmatycznymi współpracownikami, najbardziej znanym aktorem świeckim, jakiego widzieliśmy od czasów Jeźdźca z Chloe Zhao.
Czas publikacji: 02-06-2022
